Morrete Fest Cultura queer en La Rioja

Samantha Hudson es una de las figuras más singulares y provocadoras de la cultura pop española contemporánea. Cantante, compositora, actriz, guionista, creadora digital y performer, su trabajo combina música electrónica, crítica social y estética camp para construir un universo artístico radicalmente libre y profundamente político.

Se dio a conocer en 2015 con apenas quince años tras publicar “Maricón”, una canción creada como proyecto escolar que criticaba la posición de la Iglesia católica respecto a la diversidad sexual. El vídeo generó una intensa polémica mediática y convirtió a Samantha en un fenómeno viral. A partir de ese momento comenzó a desarrollar una trayectoria artística marcada por la performance, el humor ácido y la reivindicación queer, consolidándose como una de las voces más reconocibles de la contracultura española.

En los años siguientes, Samantha Hudson amplió su presencia en la música, el audiovisual y los medios. Su carrera incluye espectáculos escénicos como Eutanasia Deluxe, colaboraciones con artistas de la escena alternativa y la publicación de diversos trabajos discográficos donde combina electrónica, pop y estética club. Su primer álbum, Liquidación Total (2021), confirmó su capacidad para mezclar sátira política, imaginario pop y activismo cultural.

Posteriormente llegó AOVE Black Label, un proyecto inspirado en el techno hardcore de los noventa con el que giró durante dos años por salas y festivales de toda España. En paralelo, Samantha se consolidó como una figura mediática transversal, participando en cine, televisión, podcasts y proyectos culturales que exploran la identidad, el arte contemporáneo y la política desde una perspectiva queer.

En 2025 publica su tercer álbum, “Música para muñecas” (Subterfuge), un trabajo que rinde homenaje a la comunidad LGBTIQ+ a través de nueve canciones de electrónica contundente, con influencias del hard-tech, acid o bakala. El disco aborda temas como la identidad, la precariedad, la disforia de género o el síndrome del impostor, y cuenta con colaboraciones de artistas como Zahara, La Zowi o Villano Antillano.

Reconocida internacionalmente, Samantha Hudson ha recibido premios como el MTV Europe Music Award 2023 a Mejor Artista Española, el Premio Ídolo a Mejor Creadora de Contenido Digital o el Premio Arcoíris del Ministerio de Igualdad por su contribución a la visibilidad del colectivo LGTBIQ+.

En directo, Samantha despliega un espectáculo explosivo donde música, performance y activismo se mezclan para convertir cada concierto en una celebración irreverente de la libertad y la disidencia.

Luna Ki, nombre artístico de Luna Górriz (Barcelona, 1999), es una de las figuras más singulares y vanguardistas del pop experimental español. De ascendencia cubana, su propuesta artística combina hyperpop, trap y electrónica con una estética futurista y digital que la ha convertido en una de las voces más reconocibles de la nueva generación de música urbana en España.

Su trayectoria comenzó a tomar forma a finales de la década de 2010 dentro de la escena underground madrileña. Tras formarse durante años en el Conservatorio Superior de Música del Liceo y estudiar artes en la Escuela Massana de Barcelona, Luna se trasladó a Madrid, donde empezó a pinchar en fiestas vinculadas al emergente circuito trap. En ese contexto publicó en SoundCloud una primera versión de “Septiembre”, canción que acabaría convirtiéndose en su primer gran éxito. Lanzada oficialmente en 2019, el tema acumula millones de reproducciones y fue certificado como disco de oro, consolidando su nombre dentro del nuevo pop digital español.

Ese mismo año publicó su primer EP, Unknown, 2034, que ya mostraba las claves de su universo creativo: sensibilidad pop, producción electrónica y una estética profundamente ligada a la cultura digital. A partir de entonces Luna comenzó a colaborar con diferentes artistas de la escena urbana y alternativa, ampliando su proyección dentro del panorama musical estatal.

En 2022 publicó su primer álbum, CL34N, un trabajo de quince canciones que consolidó su propuesta artística y confirmó su capacidad para construir un imaginario propio que combina música, estética visual y discurso generacional. Ese mismo año su nombre se situó en el centro de la conversación cultural tras su participación en el Benidorm Fest, donde su retirada del certamen reabrió el debate sobre el uso del Auto-Tune en la música en directo.

En los años siguientes, Luna Ki continuó desarrollando su proyecto con nuevos lanzamientos y colaboraciones, explorando territorios que van desde el pop electrónico al reguetón o el hyperpop. Su segundo EP, Generación de Cristal (2024), profundizó en esa dimensión generacional que atraviesa su música, abordando temas como la identidad, las emociones y las contradicciones de la vida contemporánea.

A lo largo de su carrera ha colaborado con artistas como Lola Índigo, Vicco, Babi o Mala Rodríguez, ampliando su alcance dentro del pop y la música urbana. Su música ha acumulado más de 50 millones de reproducciones y su presencia escénica la ha llevado a actuar en festivales como Sónar, Lollapalooza Argentina, Holika o Boombastic.

En 2026, Luna Ki inicia una nueva etapa artística marcada por el lanzamiento de nueva música y su participación en el Benidorm Fest, consolidándose como una de las artistas más innovadoras de la escena pop española actual.

SVSTO es el nuevo proyecto musical de Carla Parmenter, conocida por formar parte del dúo Las Bistecs, con el que revolucionó la escena pop alternativa española con su mezcla de ironía, performance y discurso crítico. En esta nueva etapa, Parmenter se une al productor Alejandro Da Rocha para desarrollar un universo sonoro más oscuro, crudo y bailable.

El proyecto nace con la intención de explorar una estética musical que combina sonidos electrónicos sombríos con una energía pensada para la pista de baile, acompañados de letras ácidas que reflexionan sobre la experiencia de crecer y sobrevivir en la Europa del siglo XXI, marcada por una sensación constante de vivir entre crisis.

El imaginario de SVSTO está profundamente conectado con el paisaje de su Vallès Oriental natal, donde polígonos industriales, fábricas y descampados forman parte del paisaje cotidiano. Ese entorno periférico se convierte aquí en materia estética y simbólica: un territorio donde el paisaje industrial se mezcla con un glam irónico y futurista, generando una identidad visual y sonora muy reconocible.

El proyecto surge también del deseo de unir elementos aparentemente opuestos: la música oscura con la celebración queer, la vida en la periferia con la cultura underground de Barcelona, el activismo con el humor. Esa tensión entre contradicciones es precisamente lo que define la identidad de SVSTO.

En esta nueva etapa, Carla Parmenter retoma la actitud disruptiva que caracterizó a Las Bistecs, pero llevándola hacia un terreno más introspectivo y contundente. El resultado es una propuesta que mantiene su mirada crítica sobre la cultura contemporánea mientras construye un sonido electrónico directo, oscuro y profundamente bailable.

Con SVSTO, Parmenter abre una nueva fase creativa donde club, política y estética se entrelazan en una propuesta que invita tanto a bailar como a cuestionar el presente.

La historia de Papa Topo es una de las más singulares y fascinantes del pop independiente español. El proyecto liderado por Adrià Arbona lleva más de una década construyendo un universo musical propio en el que conviven el pop más luminoso, la ironía, el imaginario cinematográfico y una creatividad sin prejuicios.

Sus primeros pasos llegaron con un espíritu de pop casero, juguetón y descarado, cuando Arbona formaba dúo con Paulita de Maíz. En aquel momento Papa Topo ya comenzaba a generar un inesperado fenómeno de culto en internet. Su primer single, “Oso Panda”, producido por Guille Milkyway (La Casa Azul), se convirtió en cuestión de horas en un pequeño acontecimiento entre melómanos y seguidores del pop independiente. Poco después llegaría “La Chica Vampira”, otro de los temas que consolidaron el carácter irreverente y punk de sus primeras composiciones.

Aquel primer periodo creativo se expandió con el mini-LP “Rotación y Traslación”, un trabajo lleno de referencias espaciales que incluía canciones ya imprescindibles dentro de su repertorio como “Acomodador” o “Robot”. Con el paso del tiempo, el proyecto fue evolucionando hacia un sonido cada vez más amplio y ambicioso. La incorporación de nuevos miembros a la banda trajo consigo una apertura estilística donde convivían funk, disco, surf, synth-pop, new wave o folk mediterráneo, siempre bajo el filtro personalísimo de Arbona.

Ese espíritu se materializó especialmente en su primer álbum, “Ópalo Negro”, un disco donde Papa Topo desplegaba toda su paleta sonora con una libertad creativa poco habitual en el pop español. Canciones como “Sangre en los zapatos” confirmaban su capacidad para combinar sofisticación pop y espíritu festivo, creando auténticos himnos para la pista de baile.

En paralelo, el universo de Papa Topo también ha encontrado un espacio natural en el cine, especialmente a través de su colaboración con el director Marc Ferrer. Juntos han desarrollado diversas piezas musicales para películas como La Maldita Primavera, Puta y Amada o ¡Corten!, explorando referencias a la ciencia ficción, el cine de serie B, el terror y el imaginario queer. Estas colaboraciones han dado lugar a temas interpretados junto a artistas como Yurena, La Prohibida o Samantha Hudson, ampliando aún más su singular universo artístico.

En 2025, Papa Topo publica “Presto y con toda la fuerza”, un álbum intenso y combativo que canaliza rabia, ironía y crítica social a través de tempos vertiginosos y una energía desbordante. Un nuevo capítulo para un proyecto que, después de tantos años, sigue manteniendo intacta su capacidad de sorpresa.

Morreo es el proyecto musical de Joseca y Germán, un dúo pop que inició su andadura en 2019 a partir de una historia tan inesperada como reveladora: su origen se remonta a un “super match” en Tinder. Lo que comenzó como una conexión sentimental terminó transformándose rápidamente en un proyecto musical con una identidad pop tan clara como irresistible.

Durante los meses de la pandemia comenzaron a dar forma a las canciones de su primer disco, un debut que llamó la atención de la prensa musical y que el grupo presentó posteriormente en salas y festivales. Desde el principio, su propuesta destacó por la frescura melódica, el sentido del humor y una mirada desprejuiciada hacia el pop, rasgos que también se trasladan con fuerza a su directo. La energía de sus conciertos y su capacidad para conectar con el público les llevó a recibir el Premio Rock Villa de Madrid, además de ser seleccionados para actuar en el canal de YouTube de los Grammy, ampliando así su visibilidad internacional.

Con tan solo dos discos publicados, Morreo ha demostrado una notable capacidad de reinvención. Su segundo trabajo supuso un giro sonoro que amplía su universo musical a través de bajos tropicales, teclados cañís y referencias castizas, todo ello combinado con elementos lo-fi románticos, rumbas disco, samples y una mirada costumbrista que impregna sus letras de ironía y celebración cotidiana. El disco cuenta además con colaboraciones de artistas como Adiós Amores y Soleá Morente, reforzando ese diálogo constante entre tradición pop y sensibilidad contemporánea.

El resultado es un repertorio que bebe de un pop iberoamericano expansivo y luminoso, capaz de conectar con el legado del pop español de los años sesenta y setenta mientras lo actualiza con una actitud fresca, despreocupada y profundamente contemporánea. En sus canciones conviven referencias aparentemente dispares con una naturalidad sorprendente, dando lugar a un estilo propio que se mueve entre la nostalgia pop y el hedonismo veraniego.

La crítica ha destacado esa capacidad del dúo para moverse con libertad entre influencias y estilos. Rockdelux hablaba de “atemporalidad por los cuatro costados, un pequeño milagro”, mientras que MondoSonoro subrayaba su valentía a la hora de mezclar referencias sin prejuicios.

En 2026, Morreo prepara el lanzamiento de su tercer disco, un trabajo que apunta a consolidar definitivamente su universo musical.

Euskoprincess —nombre artístico de Minet— es una de las voces más singulares de la nueva escena pop y electrónica estatal. Nacida en Hernani (Gipuzkoa), la artista ha construido en pocos años un universo creativo propio donde conviven cultura digital, estética club, imaginario pop y una fuerte identidad personal. Sus canciones y espectáculos combinan energía, sensualidad y humor, creando un star-system propio que conecta su entorno más cercano con un imaginario global lleno de referencias culturales.

Su debut llegó con el single Lehendakari, producido por Rivers Z, una canción que llamó rápidamente la atención dentro del circuito alternativo. Aquel lanzamiento se completó con su primer EP, Hollywood Star-System, un trabajo que proponía un viaje simbólico desde su barrio natal de Zikuñaga, en Hernani, hasta un Hollywood imaginado como espacio de fantasía, glamour y reinvención.

Desde entonces, Euskoprincess se ha consolidado como una de las artistas emergentes más estimulantes del panorama actual. Su música se mueve con naturalidad entre el pop digital, el hyperpop y la electrónica de club, generando canciones con una identidad muy marcada y una estética propia.

En 2024 inició una nueva etapa con Futarani, primer adelanto de su próximo mixtape, una pieza sugerente y sensual que abría nuevas dimensiones dentro de su universo sonoro. Meses después llegó Oni Chan, donde la artista narraba una ruptura sentimental desde una perspectiva más íntima. Ese mismo año presentó El Moto y La Mota, una oda a la amistad llena de frescura y energía que acompañó una intensa gira de verano y su participación en el Orgullo de Madrid.

Durante 2025 continuó ampliando su imaginario musical con nuevos lanzamientos. En enero presentó Totaina, junto a Métrika y Main Costa, un single energético que reunió a tres de las voces más pujantes del momento. Poco después sorprendió con Euskañol, su primer tema íntegramente en euskera, explorando nuevas texturas de club. En abril lanzó Mala Fama Interlude, adelanto del álbum Totosaki, reforzado por el focus track Manin, junto a Métrika y GlorySixVain.

Tras la gran acogida de Totosaki, que presentó en escenarios como el Primavera Sound de Barcelona, la artista ha continuado expandiendo su universo con Makina del sex, un single en el que explora el deseo desde el empoderamiento y el placer sin culpas. El tema, con influencias de dancehall, se acompaña de un videoclip dirigido por Alejo Ayala que refuerza su imaginario provocador y sin complejos.

En directo, Euskoprincess despliega un espectáculo energético y magnético que la confirma como una de las artistas más personales y prometedoras de la nueva escena pop estatal.

Hadren es una de las promesas más intrigantes de la escena electrónica de Barcelona. Productor, diseñador sonoro, cantante y DJ, su proyecto artístico se caracteriza por una fuerte dimensión conceptual y visual, marcada por su característico alter ego azul, una figura que encarna la exploración más profunda y oscura de su universo sonoro.

Su estilo fusiona deconstructed club, avant-pop, ambient y techno, combinando texturas ruidistas, estructuras imprevisibles y una estética sonora que oscila entre lo emocional y lo transgresor. Desde una perspectiva queer, Hadren construye propuestas que desafían los códigos más convencionales del pop y de la electrónica, tanto en sus producciones como en sus directos.

El proyecto comenzó a tomar forma durante el confinamiento de 2020, un momento decisivo en su trayectoria. En aquel contexto publicó el single “FROM MYSELF TO MYSELF”, una pieza que marcaba el inicio de un proceso de autoexploración creativa que más tarde desembocaría en el EP “EVERYTHING FROM NOW”, una intensa travesía experimental que consolidó las bases de su identidad sonora.

En 2023 presentó su primer álbum, SOUL BLACKOUT, un trabajo conceptual en el que aborda temas como la parálisis del sueño, los trastornos del sueño, las pesadillas, la sexualidad o los pensamientos intrusivos. El disco se construye como un viaje sensorial en el que los sonidos adquieren tanto peso narrativo como las propias palabras, combinando electrónica experimental, glitch, noise e IDM con momentos más cercanos al pop o al ambient.

Dentro de este universo aparece también Azul, el alter ego que articula visualmente el proyecto. Inspirado en las visiones que el propio artista experimentaba durante episodios de parálisis del sueño, este personaje funciona como una entidad que habita el mundo narrativo de su música y amplifica su dimensión simbólica.

En 2025 Hadren publicó TRICK TRACKs, su segundo álbum, un trabajo que reafirma la personalidad de su propuesta artística. En él, el productor catalán construye un universo propio donde cada canción explora una faceta distinta de su lenguaje musical. Electrónica, pop y sonidos de club conviven en un proyecto lleno de matices, donde el ritmo convive con atmósferas envolventes y un cuidado diseño sonoro.

Desde sus inicios, Hadren ha ido desarrollando un sonido cada vez más personal e inconfundible, capaz de generar espacios donde el cuerpo y la mente entran en sintonía. Sus composiciones combinan el impacto inmediato del ritmo con una profunda construcción atmosférica que invita a la escucha atenta.

En directo, su propuesta se transforma en una experiencia inmersiva donde sonido, visuales y puesta en escena se combinan para crear un viaje sensorial intenso, confirmando a Hadren como una de las voces emergentes más personales de la nueva electrónica estatal.

Lisasinson se ha consolidado como una de las bandas más estimulantes del pop-punk estatal reciente y como uno de los referentes más claros de la sensibilidad riot grrrl en España. Desde sus primeras canciones, el grupo valenciano ha destacado por una combinación especialmente efectiva de melodías inmediatas, guitarras furiosas, estribillos coreables y una actitud desprejuiciada, vital y sin complejos. Sus letras, cargadas de frescura y humor, hablan de amor, despecho, crushes instantáneos y decepciones sentimentales desde una mirada generacional directa e irónica.

El proyecto nació en 2018 en la Facultad de Bellas Artes de València de la mano de Míriam Ferrero, Mar y María, y pronto encontró una identidad muy clara basada en baterías punk, guitarras pop y letras descaradas. Ellas mismas definieron su sonido como “punki pop”, una fórmula que quedó perfectamente representada en su primer single, Barakaldo, una canción que llamó rápidamente la atención por su inmediatez, su humor y su energía.

Su potencial se confirmó en 2021 con el miniálbum Perdona Mamá, editado por Elefant Records. El disco conectó de inmediato con una audiencia necesitada de nuevos himnos generacionales, y canciones como Atasco, Tú y Yo, Canción para mi Crush o Volverte a Enamorar se convirtieron rápidamente en favoritos para corear en conciertos y festivales. Las 500 copias de su edición limitada en vinilo desaparecieron en pocos días, convirtiéndose en pieza de coleccionista.

En 2023 la banda publicó su primer larga duración, Un Año De Cambios, producido por Carlos Hernández. El disco reforzó su sonido con una producción más contundente sin perder la espontaneidad que define al grupo. Canciones como Cuchillos o Mochi mostraban una evolución compositiva que ampliaba su universo musical sin renunciar a la energía punk que caracteriza su propuesta.

Durante 2024 y 2025 el grupo continuó ampliando su repertorio con nuevos singles como Salgo a la Calle, Decidí Desaparecer, Quiero que Perdamos la Cabeza (Otra Vez) o Si Me Pierdo, consolidando su capacidad para crear canciones directas y altamente adictivas. En paralelo, su música siguió evolucionando hacia una combinación cada vez más rica entre la urgencia punk, la sensibilidad pop y un enfoque melódico más amplio.

En 2026 la banda publica Desde Cuándo Todo, su nuevo álbum, un trabajo más introspectivo que refleja las tensiones emocionales, dudas y contradicciones que atraviesan su trayectoria reciente. Inspirado en lecturas y referencias literarias contemporáneas, el disco profundiza en temas como la amistad, la incertidumbre y la intensidad emocional que atraviesa sus canciones.

En directo, Lisasinson despliega toda la fuerza de su propuesta: conciertos eléctricos, coreables y llenos de energía colectiva donde guitarras, melodías y actitud punk convierten cada actuación en una celebración compartida.

maKeda, nombre artístico de Jimena Bandeira, es una DJ cuya propuesta sitúa el ritmo, el baile y la energía colectiva en el centro de la pista. Aunque comenzó a pinchar hace apenas unos años, la música ha estado presente en su vida desde siempre y constituye el eje desde el que construye cada una de sus sesiones.

Su universo sonoro se articula a partir de los ritmos africanos y su diáspora, que funcionan como base de una mezcla dinámica donde conviven géneros como el afrobeat, el afrohouse, el kuduro, el amapiano o el gqom, junto a influencias del funk brasileño, el hip hop o el R&B. A partir de esta combinación, maKeda construye sets vibrantes en los que las percusiones y los bajos marcan el pulso de la pista de baile.

En los últimos años también ha incorporado elementos de la electrónica contemporánea a través del global bass, integrando percusiones africanas y caribeñas con estilos como bubbling, soca o bouyon. El resultado es una propuesta que oscila entre lo familiar y lo inesperado, pensada siempre para activar el movimiento y generar una conexión directa con el público.

La relación de Jimena con la música se remonta a su infancia. De pequeña formó parte de grupos de baile de su barrio y más adelante continuó formándose a través de clases y masterclass de funky, hip hop y R&B, experiencias que hoy influyen de forma natural en su manera de entender el ritmo y la pista de baile.

Su curiosidad por el DJing surgió durante la pandemia de 2020, cuando decidió probar suerte tras convivir con personas cercanas que ya estaban vinculadas a este mundo. Desde entonces ha ido desarrollando su aprendizaje a través de clases, autoformación y una escucha constante de artistas de referencia como Ayane, Emma Korantema, Lady Shaka o Karaba.

El nombre artístico maKeda nace de una referencia histórica: la reina de Saba, conocida en algunas tradiciones como Makeda, figura asociada al matriarcado en la región de Etiopía. Este nombre conecta con la curiosidad de Jimena por las raíces culturales y las historias que atraviesan las músicas que explora en sus sesiones.

En paralelo a su actividad musical, forma parte del colectivo Plazeratu, una iniciativa que trabaja para generar espacios más seguros para la comunidad queer en Iruña, donde la música y la fiesta funcionan también como herramientas de encuentro y activismo. Además, ha participado en las fiestas AfroVI de Gasteiz, contribuyendo a visibilizar y celebrar la cultura afro dentro del contexto de la cultura de club.

En Morrete Fest 2026, maKeda llega con una sesión diseñada para poner el cuerpo en movimiento y convertir la pista de baile en un espacio de celebración compartida.

2Mari DJs es un dúo de djs enmascarados que entiende la cabina como un espacio de libertad y caos absoluto. Sus sesiones están pensadas para una sola cosa: hacer bailar. Sin prejuicios, sin jerarquías musicales y con una actitud abierta donde cualquier referencia puede convertirse en un momento de pista compartida.

Su manera de pinchar se mueve con naturalidad entre lo mainstream y lo underground, mezclando reguetón, pop, electrónica, indie o himnos inesperados en sets que combinan alta y baja cultura con total naturalidad. Para ellos, la sesión es una celebración colectiva donde conviven ironía, cultura pop y un espíritu festivo que conecta directamente con el público.

Con una clara predilección por la música creada por mujeres y artistas queer, sus sets se convierten en un pequeño manifiesto de pista de baile: un espacio donde reivindicar otras narrativas dentro de la cultura club. Les gusta pinchar las canciones que ellos mismos querrían bailar en un club y que, muchas veces, ya nadie se atreve a poner.

La mezcla desprejuiciada es su sello de identidad. En una misma sesión pueden convivir los beats más contundentes con ritmos tropicales o clásicos inesperados, siempre con el objetivo de mantener la energía del baile y la complicidad con el público.

Habituales en las actividades y eventos de GYLDA, 2Mari DJs regresan a Morrete Fest tras su participación en la edición de 2024 para cerrar la última sesión nocturna del festival, prometiendo una pista llena de ritmo, celebración y espíritu colectivo.